Decireves y sus 20 años y 20 discos de la década de los 90´s

Decireves nació como un blog personal en marzo de 2006. Aporreaba las teclas del teclado mientras cuidaba a mi hijita, que estaba recién nacida. Hoy ella ya es estudiante en los terrenos de la Arquitectura.
En esos inicios, el blog era más personal y derivó poco a poco en algo más afín a mis gustos musicales. Desde 2006 empecé escribiendo cosas personales porque me gustaba hacerle competencia al buen Jesús Márquez y sus muy fumados textos. Además, la amistad se reforzó gracias al gusto compartido por la revista La Mosca en la Pared, que dirigía Hugo García Michel (la mejor revista de rock en México).
Gracias a los blogs y luego a la idea loca de hacer un fanzine digital en 2008 (la culpable fue Laura Ávalos), me hice de una buena cantidad de amistades que amablemente dejaron sus colaboraciones. Para mí, son el mejor periodismo rocanrolero que he leído aparte de La Mosca. Tanta gente, tantas plumas... Decireves se convirtió en algo que a muchos (o pocos) gustaba; otros lo odiaban (saludos, Amable; saludos, Beam –¿quién iba a pensar que este hdp pasaría a ser epicentro de un escándalo en Twitter con cuentas falsas que romanceaban con otras cuentas?–; saludos, She's a Tease! QEPD Milkman!).
Se reseñaron (y se siguen reseñando) muchos discos: buenos, malos, pedestres. Recibí consejos de cómo hacer una entrevista de parte de un entrevistado (¿?), la primera entrevista internacional me la concedió el dueto Psapp (los de "Cosy in the Rocket", que salía al final de cada capítulo de Grey's Anatomy) toda chafa pero ahí está. De ahí pasamos a entrevistar a The Mocks, Album, Bam Bam, Mr. Racoon, Ella Tiene Dos Androides, Uvilov, Selma Oxor, Soho Riots, Quiero Club, 60 Tigres, FHOTTW, Fear of Men, Membre Fantôme, Craig Evans, Marty Preciado, Pumuky, Maqueta, Carla Morrison (!!), etc.
Uno de los logros más importantes fue cuando fuimos incluidos en la lista hecha por un loco que decía que Decireves, junto con 49 páginas y blogs, éramos de lo más influyente en la música de LatAm (y sigo sin saber quién era la persona que escribió ese artículo). Mi sueño de escribir en La Mosca se cumplió y pues mamá por poco y enmarca la colaboración jaja. Luego pasé a los mini podcast chafas (antes de que el podcast fuera lo que es hoy) y ya en su fase final subíamos un dossier tipo de Soda Stereo (hoy Soda vuelve con el holograma de Gustavito), Garbage, PJ Harvey, Bowie, etc., con la invaluable ayuda en esto último de Arturo Cortés y Aida Flores.
Y pues creo que Decireves sigue dando lata todo este tiempo. La experiencia de ver al Macca en vivo me revitalizó de cierta manera y aquí sigo escribiendo mamadas cada que se me ocurre. A todos los que se me olvida mencionar les digo que los estimo y les agradezco infinitamente las veces que me apoyaron con sus grandes contribuciones tanto al blog como a la revistita.
Obvio que no están todos, pero quiero agradecer públicamente a todos y cada uno de los que han dejado sus líneas (snif!__________) sus textos rocanroleros para el mag o la página. Me refiero a Alicia Heredia, Delhi A, Daniel Franco, Arturo Cortés, Laura Ávalos, Laura Cáceres, Jesús Márquez, Edgar López, Yaced Vargas, Aida Flores, Rogelio Garza, Ely Mock, Roger Cámara, Antonio Jesús Reyes, Diana Caballero, etc. Puros textos de alto nivel rocanrolizante que ya quisieran revistas de las más picudas en México. Larga vida a Decireves, 20 años es un buen camino recorrido, bien o mal pero ahí seguimos rodando, porque piedra rodante no crea moho.

Y...


Para celebrar 20 años de Decireves aquí les dejo 20 discos emblemáticos, atemporales y llenos de esa energía que solo la mítica década de los 90’s pudo arropar.

20.- Olivia Tremor Control - Black Foliage: Animation Music Volume One

De la música más extraña y fuera del canon que se hizo en esa década, este grupo condensa en este disco su amor por los Beatles de la época Revolver, el disco Pet Sounds de los Beach Boys y los experimentos sonoros de Karlheinz Stockhausen. Un cuerpo extraño dentro del rock noventero: en LP son dos discos llenos de pop, pesadillas sonoras y blips and drips que revolotean en tu cabeza por un rato en piezas como la beatlesca y extraordinaria "I Have Been Floated", la preciosa y extraña "A Peculiar Noise Called 'Train Director'", canciones poderosas como "A Place We Have Been To" y experimentos sonoros a la mar de impredecibles. Tremendo y extraño.

19.- Chemical Brothers - Dig Your Own Hole

Estos maestros (Tom Rowlands y Ed Simons) con su pinta de nerds no te los esperabas tan duros y macizos en este "Cava tu propio hoyo", el cual, al contrario de su hit anterior Exit Planet Dust, compila el buen gusto, la musicalidad propia de las bases electrónicas, invitados de lujo, neo sicodelia y el ritmo como detonante en temas tan buenos, tan fuera de serie como la clásica "Block Rockin' Beats", la homónima "Dig Your Own Hole", la poderosa "Elektrobank". Uno de los momentos más inmensos de este disco es –a decir de la leyenda urbana– que querían samplear "Tomorrow Never Knows" de los Beatles pero el invitado Noel Gallagher les instó a no tocar ese sacro material y que mejor hicieran una canción con el ritmo similar a esa canción aunque Noel trata de imitar la voz de Lennon y lo hace de una manera consistente en la gran "Setting Sun". Beth Orton logra un efecto a la inversa pero igual de interesante en la gran "Where Do I Begin" y el disco cierra de manera magistral con el viajado y sideral "The Private Psychedelic Reel". Gran disco en verdad.

18.- Alanis Morissette - Jagged Little Pill

Este disco inauguró sin querer un sonido que fue pergeñado en mayor o menor medida por gente como Paula Cole, Sheryl Crow, Shirley Manson de Garbage. A partir de aquí el término de "rockera alternativa" fue gracias a este disco de inmaculada producción, efectiva interpretación y alma, entraña, musicalidad que se eleva gracias a temas como la muy conocida "Ironic", la explosiva "You Oughta Know", la esperanzadora "You Learn", la gran "Hand in My Pocket", la abridora y rompemadres "All I Really Want". Un disco expansivo y explosivo.

17.- Garbage - Version 2.0

El segundo disco de este cuarteto asentado en Madison, Wisconsin, es de una finura, estética y musicalidad inmensa: vértigo, calma, introspección, experimentación. Todo esto con tres maestros detrás de guitarras, bajos, batería; un productor legendario convertido en catalizador del sonido y una reina más sofisticada y glamurosa en canciones tan atrayentes como "Temptation Waits", poderosas como "I Think I'm Paranoid", poperas como "When I Grow Up", remansos de tranquilidad en "Medication" y "The Trick Is to Keep Breathing", clásicos instantáneos en "Special". Un segundo disco apabullante.

16.- Portishead - Roseland NYC

Sus dos primeros discos son lo mejor que se ha hecho en la historia de la música popular del siglo XX y del género trip hop; ellos son la mera punta del tren. ¿Qué faltaba para confirmar lo que ya todos sabíamos? Presentaciones en el Roseland Ballroom en NY para grabar un disco en vivo, orquesta, Adrian Utley en la guitarra, Geoff Barrow en sampleos, tornamesas, teclados más el agregado de músicos invitados en batería (Clive Deamer), contrabajo, máquinas y la reina de reinas Beth Gibbons con cigarro en mano y mostrando su arsenal de canciones que son lentas, que se construyen poco a poco, desde "Mysterons", "Only You", "Half Day Closing", "Glory Box" y el portento monumental que es "Roads". Un disco único y glorioso.

15.- Björk - Homogenic

El mejor disco de la islandesa después de los muy confortables Debut y Post. Este Homogenic con la producción de Mark Bell, Goldie, Guy Sigsworth y la leyenda Eumir Deodato en los arreglos orquestales se antoja como una sucesión de canciones opulentas, grandilocuentes pero en las manos (y voz) de la srita. Guðmundsdóttir suenan a canciones fuera de este mundo. Todo en este disco es perfecto en ejecución y resolución: "Bachelorette", "Hunter", la fineza de "Jóga", la belleza de "Unravel", la tristeza de "Immature" (fui inmadura al pensar que reemplazaría los elementos que me hacen falta), la belleza absoluta de "All Is Full of Love". Esto viniendo de la chaparrita que venía de sufrir un acoso siniestro de parte de su fan fatal Ricardo López es probablemente la respuesta al acoso y violencia desde su mundo exótico y fantástico. "Todo está lleno de amor" era la consigna en 1997 y es lo que le falta hoy en día a este mundo de mierda.

14.- Beastie Boys - Hello Nasty

Pasaron varios años tras el lanzamiento de un nuevo disco de los Beastie Boys después de Ill Communication (que contenía la gran "Sabotage"). Las dudas fueron despejadas tras aparecer unos misteriosos infomerciales ficticios que anunciaban productos ridículos pero que al finalizar los segmentos te mandaban un número de teléfono en el cual podías pedir una copia del nuevo disco. El disco de manufactura Grand Royal avanza en una suerte de parodia al rap (o joke rap?) con muchos guiños e invitados de lujo, desde Mix Master Mike, Miho Hatori (de la banda de j-pop Pizzicato Five), la leyenda del dub y el reggae Lee "Scratch" Perry, Brooke Williams (quien canta en la grandiosa "Song for the Man"). Canciones con sampleos que rayan en el ridículo y un componente visual inusitado para la época que se hizo patente en videos como "Intergalactic" (una parodia de la serie Ultraman), "Body Movin'" (toda esa estética de series tipo Batman o The Green Hornet). Incluso funciona un sampleo insólito de Los Ángeles Negros (¡neta!) en "The Move". Gran regreso en un disco divertidísimo de principio a fin.

13.- Plastilina Mosh - Aquamosh

Disco emergido de la mente de dos contrapuestos: uno al que le gustaba el punk, el metal y la música de Soda Stereo; el segundo más decantado por sonoridades afrancesas, el jazz de Bill Evans, Glenn Gould y la bossa nova. Ese encuentro genera un EP explosivo y tocado en lo-fi que hace ruido en el DF. A punto de firmar con Polygram, los toma EMI y les pone en bandeja de plata presupuesto para estudios en Estados Unidos y México y un tándem de productores como Thom Rothrock y Rob Schnapf, Sukia, Jason Roberts, los Tacvbos, asesoramiento de los mismísimos Dust Brothers. Electrónica, jazz, pop de guitarras, hip hop, bossa nova, rock de primer nivel ejecutado con maestría en un disco de un nivel que no se había visto nunca en el rock en México y que rehuye precisamente de esas etiquetas. Es el disco más cosmopolita que se desenvuelve en temas como la explosiva "Niño Bomba" o la gran "Monster Truck", la jazzera "Bananás Bar", el rock guitarrero y extraño de "Encendedor", la belleza encantadora y acuática de "Aquamosh" o lounge de "Ode to Mauricio Garcés" y "Milton Pacheco". Un disco sin igual y único que roló mucho en ese turbulento año de 1998.

12.- Beck - Odelay!

Después del extraño Mellow Gold el cual contenía el "anti himno" alternativo "Loser" que era como la respuesta sardónica a "Smells Like Teen Spirit" de Nirvana, Beck convocó a una cantidad inmensa de músicos para elaborar un disco que lo mismo mama del hip hop, el pop, el rock, el jazz, el folk bizarro dylanesquechinguesumadre, la bossa nova, la electrónica, el garage, las ondas beatlescas y kinkiescas, el lo-fi. En un ejercicio tan liberador, tan excéntrico que la mezcla de todos estos estilos y ritmos podrían dar como resultado un disco caótico y poco entendible pero todos estos elementos están bien amarrados, asimilados y Beck logra un chingazo de proporciones colosales que se escucha en temas tan cinemáticos y divertidos como "Where It's At?", la a go-go "Devil's Haircut", el ponchador tema "The New Pollution", la calypso "Jack-Ass". Disco producido por Tom Rothrock y Rob Schnapf (que produjeron el Aquamosh de Plastilina Mosh), Mario Caldato Jr., los Dust Brothers. Un disco hiperquinético, asombroso y multicolor.

11.- Sonic Youth - Goo

Antes que Nirvana estuvo Sonic Youth, y acabó Nirvana y Sonic Youth siguió. El cuarteto de New York es una de las joyas de la corona de la nación alternativa que apenas estaba agarrando vuelo a nivel mainstream pero los SY ya venían rompiendo madres desde los ochenta. Este Goo financiado en major es un compendio de lo que venían mostrando en sus presentaciones en vivo y en sus discos anteriores: canciones donde canta Thurston Moore, luego una Kim Gordon (¡mi reina!) y los experimentos de feedback, distorsión y un poco la estética lánguida que maman de Velvet Underground. Canciones que se van hilando una tras otra con brillantes paredes de sonido, momentos que parecen un viaje retorcido y delirante, desde la obertura guitarrera en "Dirty Boots", pasando por esa sardónica pieza que es "Tunic (Song for Karen)" que en su letra habla de una persona que sufre los avatares de la bulimia pero no lo hace desde un punto de vista triste sino hasta cínico (probablemente se refiera a Karen Carpenter), la híper conocida "Kool Thing". El trabajo musical es de una banda cohesionada y sin fisuras, arquitectos del ruido que al final abordan una nave de luz y despliegan sus alas en la muy viajada "Titanium Exposé". Un disco sin igual a inicios de los 90’s.

10.- Café Tacvba - Revés/Yo Soy

La banda oriunda de Satélite se embarcó en un proceso creativo que llevaban trabajando meses después del divertido Avalancha de Éxitos. Para este momento se sabía que traían unos rollos internos que podrían incluso acelerar su separación, pero como dicen que la música lo cura todo, este disco surgido en sesiones en México y Estados Unidos con invitados que van del Kronos Quartet, el Ballet de Danza Folklórica de Amalia Hernández, el Cuarteto de Clarinetes Arghul y NRU. Joselo, Meme y Quique sacando su batallón de canciones repartidas en dos discos: el instrumental y el cantado, reflejo de un momento de creatividad que se ha ido diluyendo con el paso de los años y que a mi gusto ya no dio más hasta Sino, pero volviendo al disco, las canciones con título de números son retorcidas, extrañas, en momentos ambient que dan para ponerse a indagar en los detalles y texturas sonoras, pero las canciones cantadas con sus bases instrumentales sencillas dan por sentado que cuando se quisieron poner reflexivos y viendo al cosmos y al interior se ponían al tú por tú con cualquier banda anglosajona e incluso los superaban. Bellezas sónicas como "La Muerte Chiquita", "La Locomotora", "El Padre", "Dos Niños", "El Espacio", "El Hombre Impasible", la preciosa "Lento" (justicia para esta underrated canción, he dicho). Producción limpia e impecable de Gustavo Santaolalla y Aníbal Kerpel.

09.- Soda Stereo - Dynamo

Después del disco Canción Animal la tarea de Soda Stereo y apostando para el futuro era reinventarse. Obviando que oían mucho a bandas inglesas de ese subgénero llamado shoegaze, no es aventurado pensar que traían muy bien asimilados sonidos e ideas que dejaron expuestos en su placa Dynamo la cual a decir de muchos es la cumbre del shoegaze en LatAm. Sin decir "agua va", Soda se embarca en la búsqueda de un sonido que no ha sido igualado por alguna banda hoy en día y este es el referente absoluto, desde "Toma la Ruta", la esplendorosa "En Remolinos", el rocanrolerismo patente de "Primavera 0", la orquestal e hindú "Sweet Sahumerio", la tranquila y beatlesca "Fue", la neosicodélica y fantástica "Nuestra Fe". Son muestrario conciso de una época, una banda que estaba en la cima y muchos le agarraron la onda y otros se quedaron con cara de WTF al ver que su banda favorita ya no tenía hits tipo "De Música Ligera".

08.- Blur - 13

El cambio radical de Blur con respecto a su muy cuestionado disco homónimo de 1997. Este 13 que produjo William Orbit: la banda experimenta con sonidos poco explorados por bandas en ese turbulento año. Oasis para el año 1999 ya iba en picada, el grunge ni sus luces y el britpop estaba en estado somnoliento. La mira la tenían en grupos como Can, Cluster, Popol Vuh, la música de Brian Eno y los sonidos electrónicos de la escuela krautrock y trazos muy apenas visibles de noise rock con rompimientos armónicos muy interesantes. Aunque el single "Tender" poco o nada tiene que ver con el resto del material, las canciones se suceden una tras otra sin respiro: del noise rock guitarrero de "Bugman", la muy brit "Coffee & TV", la densa "Battle", la extraña melodía de "Swamp Song", el canto lento de "1992". Hay canciones extrañas en estructura como "Caramel" o "Trimm Trabb" pero el disco tenía que cerrar con lo que les sale por defecto: un pop lánguido con coro gospel en "No Distance Left to Run". El disco que –dicen– inspiró al experimental Kid A de Radiohead.

07.- Smashing Pumpkins - Mellon Collie and the Infinite Sadness

¿El disco "blanco" del rock alternativo gringo de mediados de los 90’s? Quizás en lo largo de su producción porque a nivel musical sí hay ciertos trazos bellos proporcionados por arreglos de pianos, bellezas de una fineza y serenidad como "To Forgive", bellezas musicalizadas como un sueño en "Cupid de Locke" con armonías angelicales de fondo, pero el disco da paso a brutales paredes de sonido en temas como la archiconocida "Bullet with Butterfly Wings", la blacksabbathesca "Zero", la hermosa y orquestal "Tonight, Tonight", la alternativa con todas las de la ley y una de las canciones más emblemáticas de esa era: "1979". El disco es como un sube y baja de emociones que van de la calma a la furia pero todo de una manera equilibrada, un compendio de las mejores canciones que salieron de la mente maestra y dictatorial del gran Billy Corgan con la pequeña ayuda de sus comparsas Chamberlain, Iha y D’Arcy. Un disco único y poderoso.

06.- Oasis - (What's the Story) Morning Glory?

Seamos sinceros, los primeros acordes de "Wonderwall" nos remiten de inmediato a cualquier canción de los Beatles de la era Revolver / Sgt. Pepper's. Oasis, esa banda cuyo líder nato es Noel Gallagher y que el año pasado junto con su hermano volvieron por sus fueros con un comeback que fue un éxito rotundo. Volviendo a su disco más aclamado, la banda estaba en los cuernos de la luna y el marketing y la prensa inglesa que a huevo los quería pelear con Blur era una bomba de noticias que no se miraba desde la "pelea" entre los Stones y los Beatles. What's the Story rebosa de un rock and roll macizo con influencias bien asimiladas: The Jam, los Stones, los Stone Roses, los Beatles, en canciones donde predominan guitarras, baterías, orquestas. Una banda de rock cohesionada rindiendo tributo a sus maestros en canciones como "Wonderwall" (la canción quintaesencial de Oasis), maravillas como "Don't Look Back in Anger", la muy buena "Some Might Say", los interludios que sirven como puentes llamados "Swamp Song Part 1 y 2", el rock and roll de "Roll with It", la discreta y muy bella "Cast No Shadow" y el viaje sideral para cerrar el disco llamado "Champagne Supernova". Oasis siendo la punta del tren en el añejo año de 1995.

05.- U2 - Achtung Baby

Los que reniegan del U2 noventero siempre dicen que hasta The Joshua Tree fueron LA banda y que este disco –grabado en la unificada Berlín en los estudios Hansa– fue de alta traición. U2 tenía la mira en la década de los 90's y lo hacía desde la vanguardia con un disco único, cínico, el cual empezaba con sonidos industriales, novedosos para un grupo que solo aparentaba hacer baladas pop rockeras de muy alto nivel. En Achtung Baby sí hay baladas pero revestidas con asombrosas paredes de sonido, programaciones electrónicas, paisajes sonoros hechos con máquinas pero que buscándole bien son canciones de perfecta estructura armónica, melódica y rítmica. Si el disco era un portento que se oía en canciones como la perfecta "Zoo Station", la chingonométrica "Even Better Than the Real Thing", la canción emblema de este disco es la suave y acompasada "One" que nace de un jam improvisado, pero así mismo hay canciones de alto valor como la extraña "Who's Gonna Ride Your Wild Horses", "Until the End of the World", la misteriosa "Mysterious Ways", el canto lento de "The Fly". Si a nivel musical era pura excelsitud, a nivel gira mundial con la monstruosa Zoo TV –que vino a este país– trajeron su armatoste de pantallas, sobreinformación y Trabants de colores y llamadas a Salman Rushdie (cuando el Ayatolá Jomeini pedía su cabeza). U2 viendo al futuro; hoy son un chiste aburrido y políticamente correcto pero en los 90 eran otro pedo.

04.- Nirvana - Nevermind

La historia detrás de este disco que supuso el arribo de eso que los medios llamaron grunge pero que estrictamente es un punk rock grabado en una major, es una historia que se ha escrito miles de veces en muchos medios. La hazaña del trío de Seattle, Washington, es volver al rock al redil del que se había salido: fuera el pop de Debbie Gibson y el rock grandilocuente de Guns N' Roses y el pop hipersofisticado de Michael Jackson (nada mal esos tres ejemplos sabiéndolos oír) pero esto era el momento de la llamada nación alternativa, las portadas de diseño disruptivo, las revistas, las televisoras, los formatos, todo se tocó y cimbró los cimientos de las buenas conciencias, como los Beatles en los sesenta y los Ramones en los 70. Detrás del ruido generado por tres bardos existe la melodía, la armonía y el ritmo: canciones poderosas en riffs y brutales en vivo, canciones atemporales como anti himnos en "In Bloom", "Come as You Are", las potentes "Lithium", "Territorial Pissings", "Stay Away" así como el canto abrupto y depresivo de "Something in the Way", por no hablar de la archirreconocida "Smells Like Teen Spirit" que un crítico por ahí la definió como un encontronazo entre "Louie Louie" de los Kingsmen y la extraña melodía de cualquier canción de los Pixies.

03.- My Bloody Valentine - Loveless

Un disco tan fracturado, tan extraño, tan adelantado a su tiempo, requirió mucho tiempo, dinero y esfuerzo: una cantera de 19 estudios de grabación, un autor maniático y dictador del sonido que quería para esta obra de arte del rock en los 90’s. Kevin Shields con la ayuda de Bilinda Butcher y Colm Ó Cíosóig crearon un parteaguas del rock de esa época. Mientras en EU el grunge era lo que primaba, en el otro lado del océano se cocinaba un sonido que fue bautizado como shoegaze: tipos tocando guitarras pero viéndose a los zapatos en vez de ver al público. Loveless al parecer es la cumbre de este género: guitarras saturadas, sampleos de baterías, voces fantasmales en algunas canciones, todo grabado en formato monoaural para apreciar mejor el campo de sonido que estaban exponiendo en temas como "Soon", "Loomer", "Touched". Producido por Alan Moulder que tiempo después a insistencia de Billy Corgan produciría el Mellon Collie y el mismo Trent Reznor también lo pidió para The Fragile. Este disco es un caos sonoro, pero también es belleza y arte sensorial, es ruido pero un ruido muy bello. El único pero es el movimiento de Pitchfork que en su momento lo puso como el segundo mejor disco de la década de los 90’s por abajo de OK Computer y después recularon y lo encumbraron, no sé si para calmar la furia de Mr. Shields o porque Thom Yorke ya estaba más allá del bien y del mal y los discos de guitarras ya no le interesaban.

02.- The Flaming Lips - The Soft Bulletin

Su pasado se erige como una banda de tres tíos que tocaban punk a lo Husker Dü pero también sabían hacer sonidos suaves y ásperos. Al momento de firmar con una major les dan más presupuesto y eso se va oyendo en discos como Hit to Death in the Future Head o Transmissions from the Satellite Heart. Para 1999 aparece un disco tan extraño como difícil de oír: Zaireeka era el disco, la proeza del escucha era que tuviera 4 aparatos de música para reproducir tal locura, un remolino de sonidos con melodías pop bizarras que estaba develando lo que se venía cocinando en Tarbox con Dave Fridmann en la consola de grabación. Canciones progresivas que trascienden el pop para convertirlo en un monstruo sangrante y melancólico, el efecto wall of sound de Phil Spector y las sesiones de grabación a lo Pet Sounds fueron una fuente de inspiración para lograr perlas de una inmaculada perfección sonora, desde el arranque con la grandiosa "Race for the Prize", pasando por el encanto pop de "Waiting for a Superman", la mini suite en una canción "The Spark That Bled", la enorme y monumental "What Is the Light?", la orquestal y fastuosa "The Gash" con unos cojonudos coros y el casi cierre con la espectral y folk "Feeling Yourself Disintegrate". Un pico muy alto dentro del rock pop cocinado a finales de los 90's.

01.- Radiohead - OK Computer

Para quien esto escribe es difícil dar una opinión objetiva, esto es subjetivo y me vale madres. 1997 y estaba en descuento ese disco en una tienda de esas de conveniencia, lo compré, lo grabé a cassette porque mi grabadora todavía no tenía para CD, fue amor a primer oído. Ya después te enteras que lo grabaron en Bath, en la casa de Jane Seymour, la banda había adquirido un cheque para la compra de equipo y su lanzamiento fue el más publicitado por EMI ese año. Tenían buenos reviews por The Bends pero lo que emerge en OK Computer es monumental: es un disco que rompe paradigmas, es rock que trasciende el progresivo, es un caso de esos raros donde crítica y público se ponen de acuerdo, aplauso unánime de revistas y medios designándolo el mejor de ese año y probablemente el mejor disco que se parió en los 90's. Su influencia en la música melancólica, entre acústica y orgánica, con hermosos arreglos orquestales, con paredes de sonido, malabares perfectos entre guitarras, teclados, sampleos, hasta funciona un robot humano recitando una letanía en "Fitter Happier" para hablar de la alienación y la soledad humana casi a finales de esa extraña década fue todo un hito pero el disco por dónde se oiga es asombroso, desde "Airbag", pasando por "Paranoid Android" que es como un sube y baja de emociones musicales, la asombrosa "Subterranean Homesick Alien", el desolado canto de "Exit Music (for a Film)", la fenomenal "Let Down", la beatlesca y extraordinaria "Karma Police". Largo sería poner a qué suena cada canción pero aquí la reflexión queda para la posteridad: la banda no cayó en su juego de ser una banda tradicional con disparos pop y cambió su narrativa abriendo el milenio, nos torció la boca y nos dijo "a la chingada las guitarras". Kid A abrió el milenio pero de una manera diferente, ya no había King Crimson ni Beatles en sus veladoras, eso ya era más Autechre y Aphex Twin, pero ese es otro cantar. El último gran disco en la historia del rock y que quede escrito en esta computadora para siempre.

Felices 20 años a este blog

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